Construyendo el siglo XIX: Introducción de nuevas tendencias arquitectónicas.

El siglo XIX, como ya  dije fue un siglo de experimentación arquitectónica.

Todo este estilo neoclásico, fue llevado a America por Thomas Jefferson. Una prueba bastante atinada de ello, es la arquitectura que podemos apreciar en Estados Unidos en aquella época, puesto que fue un país que se basó en la arquitectura  neoclásica, pero que la deformó a su propia conveniencia y practicidad.

Es decir, combinaron el estilo de columnas y el clásico techo a dos aguas de  los Romanos, con materiales y tendencias actuales. Y aquí pongo dos ejemplos:

http://it.wikipedia.org/wiki/Architettura_neoclassica#mediaviewer/File:University_of_Virginia_Rotunda_2006.jpg

Rotonda de la Universidad de Virginia (1819)

Pues como vemos, este tipo de edificio tiene la fachada con

columnas neoclásicas. Sin embargo, el resto se trata de ladrillos...

http://asombrosaarquitectura.blogspot.mx/2014/01/capitolio-del-estado-de-virginia.html

Capitolio de la Ciudad de Virginia (1785/1796)

Podemos apreciar la fachada neoclásica en el ala central,

 que fue construida originalmente; y una imitación en las 

alas laterales construidas ya en el siglo XX.

Este tipo de arquitectura predominó en Estados Unidos durante muchos años, pese a ser simplemente una copia ecléctica de la arquitectura antigua, y no tenía ninguna  funcionalidad... si no que incluso tuvo mas importancia la estética y belleza del edificio, antes que el espacio útil.

Aun así, lentamente Europa fue dejando atrás este tipo de estructuras; y precisamente fue Alemania, quien revoluciono la arquitectura aproximadamente en 1830. Todo cambió cuando hizo edificaciones más simples, austeras, sencillas; edificaciones "cuadradas".

http://es.wikipedia.org/wiki/Academia_de_arquitectura_de_Berl%C3%ADn

Academia de arquitectura de Berlin (1831/1836)

Lo más novedoso, fue la introducción de una estructura métalica; lo que a partir de ese momento, permitiría y facilitaría la construcción de edificios más altos. Definitivamente fue el mayor impulso arquitectónico: El metal.

Así fue como el uso de esta nueva tecnología arquitectónica fue introduciéndose en Europa. Pero fueron los ingléses quienes explotaron más el uso de este tipo de estructuras; como por ejemplo, mejoraron su maleabilidad, y comenzaron  a usar estructuras al desnudo o  externas de hierro.

Real jardin botánico de Kew (Aprox. 1840).

Esta es una de las primeras y más imponentes estructuras metálicas que se hicieron; 

es famosa además, por la torción del hierro, y la maleabilidad que tuvieron los  cristales. 

Algunos lo llaman "The  Crystal Palace"

También Francia comenzó a incursionar en el mundo de estructura de hierro desnuda:

- http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Construction_of_the_Eiffel_Tower.JPG -

- http://es.wikipedia.org/wiki/Torre_Eiffel -

Eiffel Tower (1889)

Una edificación que costó años de construcción, 

y que mide 300 m de altura aprox. 

En Estados Unidos mientras tanto, no usaron el hierro para edificios... si no que incluso comenzaron a alimentar el "ocio" de la sociedad:

http://es.wikipedia.org/wiki/George_Washington_Gale_Ferris

Noria Ferris (1893)

La primer Rueda de la fortuna o Noria.

Asi fue como el metal llegó a América... donde podemos resumir, que se abrió una competencia dentro del país, por saber quién era mejor arquitecto, al diseñar cada  vez un  edificio más alto: Rascacielos

Fue aqui, donde inició el tipo de construcción  que conocemos actualmente: estructura de hierro, cuerpo de ladrillos.

Y se puede aplicar una frase: "No importa el espacio ocupado, si no la altura lograda". Fue el metal, lo que impulsó todo esto.

Construyendo el siglo XIX: Arquitectura neoclásica.

Si hablaramos de la arquitectura predominante del siglo XIX, podemos decir que fue básicamente de estilo "ecléctico", es decir, que en más de una ocasión los arquitectos de la época se basaron en la mezcla de los diversos estilos de una o mas culturas.

Pero, el siglo XIX comenzó precisamente arrastrando el estilo neoclásico que se originó a mitad del siglo XVIII, y que tal como su nombre dice, era una copia  de la arquitectura clásica. A este estilo que se desarrolló más a partir de 1900, también se le llama clasicismo romántico pues coincidía con el desarrollo del arte romántico; además de que incluso en las construcciones, pese a tener de base a las estructuras grecorromanas, le añadían cierta expresividad humana, perdiendo un poco de vista la belleza de la sencillez clásica.

Y es que al igual que la arquitectura griega, conservaban el uso de las columnas dóricas, jónicas y corintias  (que en el neoclásico algunas veces eran estructurales, otras veces simplemente decorativas) e incluso el  techo a dos aguas al menos en la  fachada; pero también mezclaban los arcos, bóvedas y cúpulas, propias de las estructuras romanas. Todo esto fue gracias al conocimiento obtenido del arquitecto Vitrubio, con su libro "Tratado de Arquitectura", que también se basó en las construcciones griegas.

Ésta, fue la tendencia arquitectonica del siglo XIX en Europa. Una arquitectura que mezclaba la sencillez, y la ornamentación; pero que sobretodo, fue utilizada para enaltecer la elegancía y la grandeza de los edificios.

Una arquitectura que mezclaba y reciclaba las raices en la construcción, e ideas "nuevas" de ese momento.

Y aqui les dejo algunoss ejemplos comparativos del neoclásico y el clásico:

Esta primer imagen, nos muestra la diferencia que había en el clasicismo, 

entre la arquitectura griega y la romana. 

Como podemos apreciar, los griegos tenían una  geometría en  arquitectura más 

"sencilla", a base de rectas; mientras que los romanos, añadieron la 

curva a sus construcciones.

- http://socialesylengua.blogspot.mx/2012/05/arquitectura-clasica.html- 

"La iglesia de la madeleine"

Éste es un ejemplo muy claro y representativo de la 

arquitectura neoclásica.

- http://nopuedonodebo.wordpress.com/2012/05/04/el-arte-neoclasico-y-francisco-de-goya/ -

"El partenon de Atenas"

Este edificio griego, es representativo también de la arquitectura clásica.

- http://verdadyverdades.blogspot.mx/2011/09/dorico.html -

En estos dos edificios, las diferencias que podemos apreciar, primero sería la introducción de la escalinata principal durante el neoclásico; lo que trataba de resaltar la imponente figura de los edificios.

En segunda, la ornamentación de los edificios. Es decir, el relieve de la parte superior de la iglesia, es propio del neoclásico.

En el clásico se basaban además, en la figura humana, por lo cual las edificaciones siempre eran proporcionales al tamaño del hombre. En cambio, en el neoclásico se  pierde de vista esta escala.

Y lo más notorio, es la intromición de materiales "nuevos" que en el clásico no existían.

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¿Buscas más información?

A mi me fue útil...

https://mx.answers.yahoo.com/question/index?qid=20090410143352AAczie6 (Diferencias entre clásico y neoclásico)

http://es.wikipedia.org/wiki/Arquitectura_neocl%C3%A1sica (Arquitectura neoclásica)

http://verdadyverdades.blogspot.mx/2011/09/dorico.html  (Arquitectura griega)

http://es.slideshare.net/editorialecir/siglo-xix-arquitectura (Arquitectura del siglo XIX)

De fotografos: Alfred Stieglitz. (Act 5)

<< He querido fotografiar las nubes para descubrir lo que me habían enseñado cuarenta años de fotografía. A través de las nubes, poner sobre el papel mi filosofía de la vida -mostrar que mis fotografías no se debían al contenido ni a los temas: a los árboles singulares, a los rostros, a los interiores, ni a datos particulares-, las nubes ahí para todo el mundo -hasta ahora no hay impuesto sobre las nubes- son libres. >>

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Albert Stieglitz es un personaje que jugó un papel importantísimo en el arte americano durante las primeras décadas del siglo XX. Y consiguió que la fotografía se hiciera un sitio en la apreciación de público y crítica, y pudiera codearse con el resto de las actividades artísticas, como la pintura y la escultura.  En su afán por equiparar la fotografía a la pintura buscó captar en esta, las texturas y composición pictóricas, y recurrió a la profundidad de campo y cortes fotograficos; pasando así del llamado "pictorialismo" a la llamada "fotografía directa".

Una de sus obras mas famosas, es "Equivalents", una seríe de fotografías que tomó sobre las nubes.

          

http://micasaesmimundo.blogspot.mx/2010/10/alfred-stieglitz.html

Se les llama "equivalentes/equivalents" ya que estas imágenes inducen al espectador a no basarse solamente en el efecto evocado por los objetos fotografiados, sino en su propia experiencia, sus sentimientos y aun en el inconsciente.
Invitan claramente, a buscar su equivalente dentro de nosotros mismos, es decir, nuestros sentimientos.

La imagen... el arte... no es más que una manera  de representar la visión humana. Porque el arte, no es arte, sin la interpretación sentimental y personal de quien lo mire.
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Y pues... mi fotografía de unas nubes que me encantaron. Un precioso atardecer. 

Un contraste perfecto de "temperatura" en un solo lugar: El cielo. 

Un contraste de luz y sombra; cielo y tierra. 

Algunas fuentes de información:
- http://unafabricadenubes.blogspot.mx/2013/05/los-cazadores-dementes-alfred-stieglitz.html
- http://paseosfotograficos.wordpress.com/2009/07/17/equivalents-las-nubes-de-alfred-stieglitz/

De fotógrafos: Gaspard-Félix Tournachon "Nadar"... (Act 4)

Gaspard-Félix Tournachon, conocido públicamente bajo su seudónimo "Nadar", fue un fotógrafo, periodista, ilustrador, caricaturista y  aeronauta de origen francés que nació en 1920.

Comenzó en el mundo de la fotografía, gracias a que un amigo le recomendó comprarse una camara  fotográfica en  1853. Y a pesar de que no estaba originalmente interesado en la fotografía como medio para  ganarse la vida, Nadar demostró, mejor que cualquier otro fotógrafo de su época, que la fotografía es algo muy distinto al simple producto de una técnica.

En 1854 Nadar abrió un estudio de fotografía. Ser retratado por Nadar, se convirtió en un honor, y muchísimas celebridades lo buscaban como fotógrafo. Una de las caracteristícas de sus fotografías, era que sus retratados aparecian en un fondo neutro, lo que centraba en él, la atención del espectador; además, hacía un  excelente  trabajo con la luz. Incluso, ideó una manera de que los retratos fueran espontáneos, al entretener al retratado o bien entrevistarlo para mantenerlo relajado.

Aun así, su estudio fotografico cerro en 1860. Fue entonces cuando se lanzó a la fotografía aérea. Así pues, en 1858 realizó la primera fotografía desde un globo estático. Incluso fotografió las catacumbas de Paris, con  una iluminación  de magnesio....

Murió en 1910; pero fue tan importante, que fue homenajeado varias veces.

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Aqui podemos apreciar tres fotografías pertenecientes a Felix Nadar:

Marie Laurent, de dos Vers (1856)

http://www.pinterest.com/pin/411516484672092681/

Elegí esta fotografía, ya que  me pareció muy interesante que manejara un retrato, pero de espaldas. Parece  ser que era una tendencia, pues existen varias fotografías y autoretratos, en donde podemos admirar al retratado, dandole la espalda al espectador. Además, el manejo de la luz me pareció muy detallado.... por ejemplo, podemos ver el perfectamente cada pliegue de la tela que envuelve a  la mujer, asi como el brillo de su cabello, y a pesar de que el fondo es claro y neutro, se diferencia  facilmente de la piel de ella.

Sarah Bernhardt in 'Théodora' drama by Victorien  Sardou.

http://www.pinterest.com/pin/411516484672092688/

Aqui lo que me agradó, es que no me da la impresión de ser una imagen estática. Es decir, que no es un retrato común donde la persona mira en dirección al espectador, mientras permanece inmovil. Al contrario, aqui a pesar de permanecer serio su  rostro, me produce una sensación dinámica y estética.

http://www.ihp.org.br/lib_ihp/docs/pakv20080725.htm

Y la tercer fotografía, es la primer fotografía que tomó Nadar desde el globo aerostático, que también es la primer fotografía que se tomo aereamente. Por eso me pareció muy interesante....  incluso aun a pesar de la poca calidad de la camara, podemos observar la ciudad.

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Enlaces donde recopilé información:
- http://www.xatakafoto.com/fotografos/nadar-uno-de-lo-mas-grandes-fotografos-del-siglo-xix
- http://www.fotonostra.com/biografias/nadar.htm
- http://es.wikipedia.org/wiki/Gaspard-F%C3%A9lix_Tournachon

El Daguerrotipo, los inicios y avances fotográficos.

El daguerrotipo fue un invento de Louis Daguerre en el siglo XX, más concretamente en el año de 1939. Basicamente consistía en una proyección de una imagen, sobre una placa de bronce, que era bañada con plata, y grabada con mercurio.

Fue un artefacto que rápidamente ganó fama por revolucionar la proyección de una imagen fotografica, desde el uso de la camara oscura. Aun a pesar de que era dificil de manipular, era costosa, y no permitía hacer duplicados de las imagenes, consiguió ser muy utilizado en el siglo XX.

El Daguerrotipo se volvió muy popular, sobretodo el Estados Unidos, en donde fue introducida por Samuel Morse, quien con el permiso de su amigo Louis Daguerre,  compartió información acerca de su uso, y se permitió su divulgación comercial. Asi, en muy poco tiempo, Estados Unidos se vio plagado de estudios daguerrotipicos, a los que la gente acudía bastante para plasmar escenas en las placas preserbables.

Fue tan común, que se comenzaron a hacer duplicados del daguerrotipo. Incluso, quienes los usaban, lentamente comenzaron a experimentar con ellos, para lograr efectos cada vez mejores en las imagenes que producia. Y es en esta época del daguerrotipo donde podemos ver un nuevo enfoque de representacion gráfica... la fotografía nos permitía ver la realidad, sin ideales. Por eso, se pueden encontrar imagenes plasmadas, no solo de  autorretratos, si no de cosas comunes como la luna o muy pocos paisajes, ya  que se buscaba plasmar el mundo desde una perspectiva diferente... real, objetiva.

Sin embargo, pronto fue abandonado y suplatado por nuevas tecnologías o técnicas, ya que tenía algunos defectos en la imagen, no poseía colores, y era muy lento su uso.

El daguerrotipo, sin embargo, fue el instrumento que logró amalgamar el arte y la tecnología, las fotografías y  las representaciones pictoricas (pintura). Y no solo eso; si no que nos permitió documentar de forma real, los  sucesos históricos.

El Daguerrotipo, fue el primer avance más desarrollado, hacia un nuevo concepto de diseño.


Como ejemplo del uso del Daguerrotipo en America, tenemos este video con imagenes que muestran la historía durante la guerra de México y EUA.



- https://www.youtube.com/watch?v=sItVPeXBTuQ -

Cambio de siglo (XVIII-XIX), cambio del arte...

No cabe duda que a lo largo de los años, el arte ha sido una base "documental" que nos sirve para conocer la cultura de la época. Esto se nos muestra en base a las tendencias e influencias que predominaban durante periodos de tiempo... una de las maneras en las que podemos darnos cuenta de esto, es através de las pinturas, que era la representación gráfica de la ideología común.

Y es que, si seleccionamos un periodo de años y observamos las diferentes obras de  diversos pintores, veremos claramente el pensamiento humano reflejado en la técnica, estética... y la cultura o creencias.

Por ejemplo, en la época en la que comenzó a desarrollarse el diseño como tal, y en la que la pintura comenzó a cambiar y marcar una "tendencia" e ideologías nuevas, fue a partir de la revolución industrial; más concretamente en el siglo XIX.

Antes de esto, durante el siglo XVIII teniamos la tendencía estética del neoclásico. Esta época nos planteaba un  tipo de pintura más idealista, religiosa... hasta mística; pero sobretodo irreal.

Pero sin embargo, lentamente vamos viendo un cambio hacia una nueva época, conocida como el Romanticismo. Entonces, el siglo XIX nos abre paso a un nuevo arte. Las pinturas dejan de lado la representación "estática" y nos da una nueva vista, en la que podemos decir que "el hombre pinta para el hombre".

El Romanticismo, marca una nueva ideología en la que los  pintores tratan de imitar y mimetizarse con el hombre, con lo real, lo tangible. El arte se vuelve más libre.

Un ejemplo de esto, podemos verlo en las siguientes pinturas:

Jean August Dominique Ingres "Venus Anadyomene" (1848)

 http://www.wikiart.org/en/jean-auguste-dominique-ingres/venus-anadyomene 

Alexandre Cabanel "The Birth of Venus" (1863)

- http://es.wikipedia.org/wiki/Alexandre_Cabanel -

Estas primeras dos pinturas, forman parte de la estética del neoclásico... a pesar de ser  autores distintos, podemos apreciar una figura femenina forzada, irreal; que si bien mantiene trazos finos y delicados, nos muestra algo más místico, basado en la mitología antigua.

Mientras que...

Karl Briullov "Virsavia" (1832)

 - http://es.wikipedia.org/wiki/Karl_Briulov -

Gustave Courbet "Young Bather" (1866)

- http://www.metmuseum.org/collection/the-collection-online/search/436003?=&imgNo=0&tabName=gallery-label- 

En estas dos otras pinturas, vemos una estética muy diferente.

Los autores de estas obras fueron pintores que marcaron una  diferencia clara entre el neoclásico y el romanticismo; presentándonos pinturas más reales. Podemos ver una figura femenina con cuerpos más realistas, en escenas cotidianas... inclusive, en la obra de Karl Briullov podemos apreciar que él pintó a la servidumbre... realmente sabían representar "al hombre para el hombre".

El siglo XIX, realmente cambió la pintura y la concepción de arte.